梵高的画到底好在哪？

我有兴趣继续探讨一下“梵高的画好在哪儿？”

我从小就喜欢画画，大学时按着父母的要求学了理工，没受过专业熏陶，但对美、对色彩自认为比普通人敏感一些。我过去很多年一直没喜欢上梵高的画。不明白，那些唯有眼神还算矍铄的自画像为什么背景总是短而局促的几笔，难道画家没有心思完成整幅画吗？著名的《向日葵》左看右看除了色彩明亮之外看不出好；《星夜》倒是唯一觉着有点出彩，像科幻小说......相比较而言，我更喜欢莫奈、毕沙罗、还有能把人像和光影画得美轮美奂的雷诺阿。他们的画比梵高的画更符合我的审美。我从他们的画中感受到了大自然的美：阳光和煦地照在大地上，晚霞浸染着天空那些变化莫测的云，微风吹拂着湖面荡起一层层涟漪，少女的皮肤被阳光照得白皙透亮。看到那样的画，就好象置身于大自然中，听着潺潺地溪水声，满眼都是绿那么惬意。

直到两三年前，我去了趟欧洲，中间有一站荷兰阿姆斯特丹，工作的空档我去了梵高博物馆，一切不一样了。因为同去的还有几个同事，我义务做了讲解员。为了做讲解，读了梵高的自传，他和弟弟的书信集，从网上找了他的画，还有对他的评论，做了一系列功课。也正因为如此，当我走进梵高博物馆时，马上就被博物馆肃穆的气氛感染了。博物馆不允许拍照，我有更多的时间站在梵高的油画前看画，体会笔触，创作时的心境。从他早期的画到最后的画一一看过，还包括他的一些小品，素描草本。我久久地停留在最后那幅画《麦田上的乌鸦》不舍得离去，我想体会他当时是一种怎样的绝望状态，会朝自己的胸部开枪。如果你只是在网上，或者小画片上看梵高的画，那真的不容易体会出它的好来，因为你看不到画家更细致的笔触和油彩的质感，而当站在原画面前时，假如你是个绘画爱好者，会不自然地推敲他绘画的过程，如何用色，能真切地感受到画家想传达出来的那种情绪。比如下面这幅，是我从维基上找来的：

下面这幅是我对着手里的一个画书拍的，为了贴在知乎上已经缩小：

我能感受到画家狠狠地把油彩挤在画布上，用力几笔，揉进翻滚的乌云，黑线勾勒的乌鸦奋力挣扎着，画笔饱蘸着高纯度的油彩短促地排线，因为过于激动身体僵硬而微微颤抖......他画的是当时的气氛，无比压抑情绪下的麦田。区别于印象派，后印象派强调作品抒发艺术家的自我感受和主观感情，在艺术表现上，后印象派更加强调构成关系，认为艺术形象要异于生活的物象，要表现出“主观化了的客观”。

抛开画家所处的社会环境来评价一个画家的成就和画作是不完整的。梵高所处的时代，学院派仍然是主流艺术，印象派作为新兴的画派尚未被主流社会所接受，更别说后印象派了。梵高一生困苦，生前只卖出过一副油画。他热爱绘画又很敏感，因得不到肯定而自卑。还好他在巴黎的时候结识了几个好朋友，其中包括高更和塞尚，他们三个人是后印象派杰出的代表。高更有一次赞了他的向日葵，他就在高更来访时住的卧室墙上挂了专门为他创作的向日葵，朋友的赞扬让他有好心情继续创作下去。梵高是死前四年才接触印象派，如果不是因为对绘画的热爱，他又怎么会用全部的心血投入到和当时社会格格不入的画风中去呢？正如《星夜》中像焰火一样闪亮的星星那样，他对绘画有火焰般的热情，忍饥挨饿对着他能看到的单调的景物反复练习和尝试新的画法，一生中画了35幅自画像，11幅向日葵，若干幅麦田。他最后的两年是在病魔的折磨下度过的。活动范围很有限，就画目之所及的景物：房子、卧室、椅子、盆景、花园、果树，有什么画什么。绘画燃起他对未来的希望，他想快点好起来，将来可以画更有诗意的题材。

梵高的画好在哪儿？有个性，不媚俗，敢于尝试和创新，表达了真实情感，这很伟大。景物在画家的头脑中经过重新构造和抽象，更能抓住所描绘景物的本质，突出主观感受。画法上在印象派的基础上吸收了日本浮世绘的一些构图和用色方法，并形成了自己的风格：用色专断，画得很快，更容易捕捉到动感，为的是最充分地表现自己。他是现代表现主义的先锋。

自画像背景总是短而局促的几笔？他有四幅是覆盖在以前的练习画上，有七幅是在习作的背面，有七幅是在纸板上画的，因为穷困使用的是廉价的绘画材料。有时面部用传统的画法精细的刻画，有时用点彩和补色法。他在做各种尝试和练习，非常勤奋。

《向日葵》好在哪儿？因为花瓶里的花很快就会枯萎，所以必须快速的做画，“我满怀激情地在绘画，就像一个马赛人喝着浓味鱼肉汤那样”

《星夜》像科幻小说？恩，他觉着身体有点好了，充满着对未来的憧憬。被旋转的星云包裹着的闪耀的星星，对比着宁静的小村落，前景的柏树枝向天空伸展，表现的是生命力，像黑夜中燃放的焰火一样炫丽。

我一直觉着，绘画作为一种艺术，传达的是美。有点压抑了，最后献上梵高的一副画作《花瓶中开花的小杏枝》

”这里的冰雪很美，田野里仍然银装素裹，我完成了一副以城市为背景的白色冬季风景作品，另外还有两个小的杏枝习作，尽管天气如此寒冷，杏枝还是开花了“